Cine Listas

Las películas más originales, extrañas, perturbadoras y alucinantes de todos los tiempos

En esta lista de 21 películas podréis ser testigos de algo que cambiará vuestras vidas.

Películas que tras su visionado dejarán en vuestro cuerpo una nueva sensación que no conocíais.

Películas que logran influir una nueva perspectiva de las cosas, una nueva visión de lo que os rodea. Sin duda, películas perturbadoras que dejan a la mente volar y reflexionar.

He querido recopilar todas las películas que a mi parecer pueden dejar un enorme rastro en vuestro consciente y subconsciente.

Antes de continuar con la gran lista avisaré que no voy a incluir grandes clásicos que se sobreentienden, como son Metrópolis, El gabinete del Dr. Calighari, El Acorazado Potemkin, La naranja mecánica (y otras de Kubrick), u otras películas más actuales como Requiem for a Dream, Fight Club, El maquinista, Pulp Fiction (y el resto de Tarantino).

Más que nada porque ya las conoce todo el mundo, estaréis hartos de verlas en todas las listas y es raro que un cinéfilo no las haya visto ya.

Además tampoco quiero repetirme mucho con los directores (Lynch, Cronenberg, Trier, Aronofsky…) e intentaré añadir a la lista una película de cada director (aunque a veces es inevitable recomendar varias)

Hay una gran variedad de películas, podréis encontrar producciones escatológicamente perturbadoras, también películas con un fuerte sentido del humor muy poético y otras con una trama en la que la metáfora visual y los laberintos argumentales nos llevan a plantearnos qué sentido tiene lo que hemos visto.

Entre esta amalgama de diversidad el elemento común que encontramos es la genialidad que se puede encontrar en lo extraño, en lo diferente, fuera del cliché hollywoodense.

Sin más dilación, allá van estas películas más que recomendables, obligatorias

1 – Eraserhead (Cabeza borradora), 1977, David Lynch

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Sobre esta película realizaré un análisis más profundo en otro post. Pero a grandes rasgos, puede tratarse de la película que más perturbe a vuestro subconsciente. Cada detalle cuenta, desde la banda sonora con ruidos rosas y blancos hasta la decadencia de los elementos que componen los suburbios donde habita el protagonista. El argumento sin duda es lo más original, con unas pulcras y deliciosas interpretaciones que nos hacen sentir escalofríos en cada escena. La mente del protagonista estalla en una introversión, implosiona ante su nuevo papel como padre de una extraña criatura que sufre malformaciones (probablemente esto sea lo que os haga sentir más incómodos de todo el film, la angustia que transmite Lynch en esos largos planos agonizantes de la criatura). En fin, no es apta para personas a quienes les afecte mucho el cine psicológico (podréis experimentar varias semanas de una sensación de malestar y de angustia).

2 –  Kynódontas (Canino), 2009, Giorgos Lanthimos.

Unos padres retienen a sus hijos bajo la ignorancia del mundo que les rodea mientras estos no crecen, y estancados evolucionan en su propia irrealidad. La teoría platónica de la caverna es extrapolada al mundo moderno. En este caso los sabios que salen de la caverna no permiten que los que no conocen la luz puedan llegar a ella. Lo surrealista de los diálogos y el toque humorístico que se confiere al film, además del bajo coste en la producción al realizarse prácticamente en un solo escenario, con una temática llena de críticas, hacen de esta película una obra maestra. Todo se torna peligroso para los padres cuando la rebelión de una de las hijas comienza a hacerse patente, cuando quiere llegar al conocimiento saliendo de esa caverna en la que está obligada a vivir.

3 – Přežít svůj život (Surviving Life), 2010, Jan Svankmajer.

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“Sólo a través de la reconciliación entre sueño y realidad puede dar la vida humana toda su plenitud”. Probablemente uno de los mejores directores de todos los tiempos, jugando con la estética surrealista plagada de objetos y colores pálidos y con la técnica del stop motion, de la que más tarde bebería Tim Burton para crear sus obras maestras. Además, como ya se observó en Alice, vemos la importancia del sonido en su estética, de los efectos incómodos y bizarros que crean una atmósfera hiperrealista más que la música como tal. En este film en particular la temática se centra en la teoría freudiana de la causa de los sueños: el placer en el subconsciente basado en un trauma de la infancia y cómo la realidad convierte al individuo en pura represión de los instintos. La perversión teórica sexual de Freud se hace práctica en el film. Sin duda parece que la insistencia en este tipo de teorías del trauma infantil y del complejo de Edipo son en el fondo una ácida y sutil sátira. En contraposición encontramos a Jung con su teoría del ánima y las dos psiques que conviven en una persona, es decir, lo dual, la reconciliación de los opuestos. Al final vemos cómo el protagonista se obsesiona con permanecer en su mundo onírico provocando él mismo los sueños que le devuelven a su propia realidad. Obligado su visionado  y todo lo referente a Jan Svankmajer.

4 – Nekojiru-sō (Cat Soup), 2001, Tatsuo Sato. (ANIMACIÓN)

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Es un corto, pero bien merece formar parte de esta lista. Lo lúgubre reaparece con una estética psicodélica y unos diálogos oníricos. Para entender esta película es necesario unir ciertos puntos, y es complejo al ser una mezcla entre sueño y realidad. La banda sonora es impecable y la animación una obra maestra. La temática quizá sea muy dura, triste y angustiosa, pero sin duda es una influencia para nuestro espíritu, objetivo final del cine.

5 – Der Bunker, 2015, Nikias Chryssos.

Otra forma de caverna platónica. En este caso una familia acoge a un estudiante que necesita su espacio para escribir sobre teorías matemáticas del universo… Sin embargo comienza a darse cuenta que quienes le acogen no son precisamente una familia normal: el hijo (veréis que perturba un poco) tiene un problema en la retención de conocimientos y sus padres le castigan duramente. El comportamiento en conjunción con las propias personalidades de los personajes confieren un ambiente lúgubre, oscuro, tétrico (similar a Lynch, muy opresivo). Merece la pena verla y observar el surrealismo que impregna todo el film, plagado de extraños e hilarantes  diálogos.

6 – Primer, 2004, Shane Carruth

Uno de los directores más prometedores de los últimos tiempos, Shane Carruth, logra crear en esta cinta experimental y de bajo presupuesto un laberinto de intrigas con respecto a la relatividad de viajar en el tiempo. El hecho de tratarlo teóricamente con diálogos complejos matemáticos, nos lleva a plantearnos si en realidad todo esto es más un experimento científico que una película. Se trata de una película intelectualmente superior a otras cintas difíciles de asimilar (así como Memento o Mulholland Drive, en las que para entender completamente la idea es necesario verlas un par de veces, por mucho que os digan!). Es importante mencionar que el equipo de producción consistió en 5 personas, siendo el propio Shane Carruth el que escribió, dirigió, editó, compuso la música y montó en postproducción durante dos años la película (además él es uno de los dos protagonistas principales y utilizó a otros amigos para realizar otros papeles). Solo os puedo decir que la veáis y prestéis atención a cada detalle. La máquina del tiempo espera vuestras impresiones.

7 – If… (1968), Lindsay Anderson

Malcolm McDowell en sus primeras andadas de psicópata adolescente (después realizaría su papel estelar en La naranja mecánica). En este caso, el argumento se basa en un momento histórico muy preciso: la contracultura en la amarga y ácida crítica del film hacia la educación inglesa de los años 60. Esta contracultura nos recuerda a otras críticas vistas en otros medios artísticos como en algunos temas de Pink Floyd “We don´t need no education. We don´t need no thought control. No dark sarcasm in the classroom. Teacher leaves them kids alone“. En este pequeño párrafo se resume el argumento de la película: la rebelión de unos adolescentes obligados a mostrar buenos modales de forma hipócrita mientras su interior estalla en su imaginación, hasta el punto de que su disconformidad llega a límites insospechados. Sí que es escalofriante pensar en la educación de aquellos tiempos. La realidad y lo onírico de algunas escenas se mezclan y no sabemos si la masacre cometida formó parte de la realidad ficticia o de su propia imaginación desbordante…

8 – Upstream Color (2004), Shane Carruth

De nuevo Shane Carruth haciendo de las suyas. Otra obra magistral creada de forma inteligente, en la que la metáfora y el idealismo trascendental  impregnan todo el contenido argumental. El parásito que les consume durante la trama no es más que la propia sociedad corrompiendo sus almas. Es como leer Walden de Thoureau de forma surrealista y con metáforas oscuras en la realidad interior del ser humano: lo retorcido, lo desagradable nacen en esta película de forma natural. También hay que volver a aplaudir a Carruth por su gran papel en la banda sonora musical, que logra dar una conexión lógica a todos los elementos aparentemente descohesionados.

9 – Bronson, 2008, Nicolas Winding Refn

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Basado en la vida de un personaje real, Charles Bronson, protagonista de esta comedia negra narrada con una forma explícita de horror y humor macabro.

Bronson ya puede considerarse una película de culto. El departamento de sonido, el de arte y el cámara logran realizar una obra maestra y por supuesto, Tom Hardy lleva a cabo el mejor papel de toda su carrera, pues no es un papel cualquiera.

Los guiños a Kubrick en la técnica camarística (planos y movimientos) y en el personaje alienado (es como ver a Jack Torrance de El Resplandor en La naranja mecánica).

La música a mi parecer logra incrementar la locura que habita en el propio interior de Bronson: gran variedad de piezas clásicas, románticas, barrocas y populares más modernas… Otro aspecto que recuerda a La Naranja Mecánica (junto con alguna escena como la vuelta del protagonista a casa).

La estética es también remarcable (ese surrealismo un poco al estilo de Holy Motors quizá y ese sutil guiño a los Monty Python en la animación)

La escala de pálidos y fríos decadentes como su propia vida… Todo en esta película es destacable, el guion es magnífico y la forma de llevarlo a pantalla es espectacular.

Merece un diez en todos los aspectos. Y no olvidéis echar un ojo a toda la filmografía de Refn, es magistral.

11 – Swiss Army Man, 2016, Dan Kwan y Daniel Scheinert.

El humor negro nos recuerda a Tideland. Lo tétrico y lo macabro reunidos en la casa de la comedia.

Quizá lo soez le reste la valoración que podría obtener, pues no se mantiene en un momento puntual sino que parece ser el hilo conductor de toda la película.

Sin embargo, los fantásticos diálogos (monólogos) y la locura del protagonista en la que se mezclan ficción y realidad nos conducen a una continua reflexión acerca de lo que es real y lo que forma parte de su mente solitaria y enferma.

Creo que merece la pena verla para admirar las interpretaciones de ambos actores y para echarse unas buenas risas.

12 – One Flew Over the Cuckoo’s Nest, 1975, Milos Forman

Jack Nicholson nunca defrauda si se trata de mostrar su cara más desquiciada y escalofriante.

Grandes interpretaciones que gratamente fidelizan el interior de los personajes retratados en la novela homónima de Ken Kessey.

Todo lo que tenga que ver con manicomios es sin duda perturbador (ya lo vimos también en Shutter Island, la magnífica película psicológica protagonizada por DiCaprio).

Os animo a que prestéis atención a este clásico imprescindible.

13 – Cape Fear (El cabo del terror), 1962, J. Lee Thompson

Posteriormente, en 1991, Scorsese realizaría un remake (más explícito y por lo tanto más perturbador en cierto modo… aunque no se puede superar la interpretación de la original)

Los papeles de Mitchum y Peck, tan contrastantes entre ellos, logran transmitirnos la individualidad en cada personaje.

Especialmente el papel del psicópata representado por Robert Mitchum, llega a hacer sentir al espectador un fuerte odio hacia su persona, deseando la venganza más cruda y cruel hacia el violador a su vez buscaba venganza hacia el abogado que le envió a la cárcel durante 8 años.

14 – Harold and Maude, 1971, Hal Ashby

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Una de las películas con el mejor sentido del humor oscuro y macabro que jamás veréis. La normalidad a la hora de afrontar la muerte y jugar con ella es lo que convierte a esta película en una perturbadora forma de observar la realidad, el existencialismo abnegado de la vida.

El joven protagonista está obsesionado con la muerte, y mientras su madre ya ni se inmuta ante sus falsos suicidios e ignora lo que su hijo tiene en la cabeza, este, aburrido de la realidad, asiste como hobbie a todos los entierros de su entorno, donde conoce a una anciana con gran sentido del humor de la que aprende grandes valores de la vida y con cuya influencia, termina cambiando su vida.

Señalar que la banda sonora musical es creada por Cat Stevens, con temas propios y otros ex professo, lo cuál le da ese toque de doble juego entre el amargo sabor de lo que vemos en la imagen, lo que Harold siente y el positivismo de Maude que termina rellenando todos los vacíos del protagonista.

15 – Pi, Faith in Chaos (Pi: Fe en el caos), 1998 (Darren Aronofsky)

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Pura paranoia obsesiva. Entre la perfección técnica del montaje y la perfección en el departamento de sonido de efectos especiales y de foley, se logra crear esta atmósfera agobiante en la que el protagonista se encierra en su mundo de números mientras su mente y su cerebro se lo están haciendo pagar caro al sufrir jaquecas terribles y desesperantes .

Su imaginación y la realidad se mezclan, absorbiendo al espectador y engulléndole en una espiral de conmociones.

Las matemáticas logran dar un sentido de la unidad al argumento, y a través de ellas, el número áureo y el número Pi, el protagonista y todos los que siguen (y persiguen) sus teorías, encontramos el sentido de la vida y cómo estos números son lo que mantiene unida a la naturaleza y la hace coincidir en todos sus aspectos.

16 – Le salaire de la peur (El salario del miedo), 1953, H.G. Clouzot

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Una obra maestra que puede estallar en tu cabeza como dinamita.

De hecho, literalmente, en esta película los protagonistas han de transportar nitroglicerina durante largos trayectos, lo cuál pone en peligro su vida en diferentes ocasiones en las que el espectador sentirá el corazón desbocado y con una ansiedad angustiosa.

Las desconfianzas, el homo homini lupus y el oportunismo parecen nacer en algunos de los protagonistas, cuyo miedo a la muerte les lleva a cometer actos cobardes, poniendo en peligro las vidas de sus compañeros. En otros personajes sin embargo, la temeridad no les deja ver más allá de la vida. En todo esto podemos ver un juicio al ser humano: si no hay justo medio, no hay razón, y sin razón no hay virtud (muy socrático todo).

Merece la pena ver esta pieza, especialmente si la tensión desesperante es para tí un punto fundamental en el cine.

17 – Suddenly, the Last Summer, 1959, Joseph L. Mankiewicz

Una de las obras maestras cumbre del excéntrico divagar psicológico entre una protagonista (Elisabeth Taylor) que lucha por despertar de un trauma que la oprime para evitar una lobotomía injusta y una acaudalada mujer perturbada (Katharine Hepburn) que lucha por acallar las acusaciones de la primera sobre su hijo.

Todo comienza con unas vacaciones de verano que se tornaron oscuras (entre un blanco de locura) después de la muerte del hijo de Violet Venable (Katharine Hepburn). Ésta insiste en que murió de un ataque al corazón mientras su megalomanía crece y su obsesión insana, extravagante y un tanto perturbadora por la castidad de su hijo, la conducen a una espiral de delirio que logra demostrar quién es la que debería estar encerrada en un psiquiátrico.

Al final, la protagonista, encerrada en el psiquiátrico, con ayuda del médico cirujano que ha de realizarla la lobotomía, logra expresar su trauma lleno de demonios que no podía expulsar y que se basan en la causa de aquella intrigante muerte.

Solo por llegar al momento en el que se desvela la realidad de aquella muerte merece la pena verla, pero sobre todo, para admirar unas interpretaciones clásicas y perfectas de una loca Katherine Hepburne (nadie lo diría al principio de la película, pero gradualmente captamos esta característica perfectamente plasmada) y de una traumada e impotente Elisabeth Taylor, que en el momento del clímax realiza uno de los papeles más angustiosos y convincentes del cine.

18 – What happened with Baby Jane?, 1962, Robert Aldrich.

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Tétrica película con unas interpretaciones insuperables en el papel de las protagonistas cuando su niñez las llevó a la fama como cantantes, y en el papel de la propia Baby Jane de adulta. Ésta, olvidada, mientras la fama de su hermana crece, busca atormentarla por haber eclipsado su carrera (que no prometía mucho éxito aunque su locura la cegase con lo contrario). Bette Davis (Baby Jane), logra transmitir con su expresiva actuación la perturbada e iracunda locura que la domina. Su hermana contrasta en un papel de hermana sumisa en silla de ruedas prácticamente secuestrada por los celos de su hermana ante este éxito. Recuerda en cierto modo a “El crepúsculo de los dioses” en esas interpretaciones pulidas. Sin duda, la historia muestra todos los demonios que una persona lleva dentro y que en momentos de auténtica presión salen a la luz, destrozando vidas a su alrededor. Es escalofriante pensar que es más real de lo que nos creemos.

19 – Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses), 1950, Billy Wilder.

Solo pueden caer alabanzas hacia este director, y El Crepúsculo de los dioses es una de sus grandes obras maestras. La maestría en los planos, la técnica, las interpretaciones (que no son fáciles) y el argumento de la historia en la que una vieja gloria quiere volver a brillar y está convencida de que lo conseguirá, tiñen a esta película de un ambiente lúgubre pero con un fuerte toque de humor (como todo lo que hace Billy Wilder). El momento en el que la protagonista, Gloria Swanson, imita a Charles Chaplin me parece uno de los momentos más brillantes que muestran esa locura del personaje. Creo que es bastante escalofriante el hecho de entrar en la mente de la protagonista mientras puedes ver desde fuera cómo nunca podrá formar parte del mundo que la rodea.

20 – Harakiri, 1962, Masaki Kobayashi.

Probablemente de las películas con temática basada en hechos reales (como historia general) más escalofriante y mejor llevada a la pantalla que jamás veréis. El argumento, sólido y sin grietas, nos muestra un famoso ritual llevado a cabo durante el periodo Edo (en el s. XVII). Este ritual consistía en suicidarse clavándose una espada en el estómago y en la película se hace tan explícito y real que la agonía renace en cada fotograma en las largas escenas que nos muestran lo trágico de esta tortura. La forma narrativa es puramente japonesa, con un flashback incluído para entender de dónde viene la historia que nos cuentan en un primer momento. Recomendable, tétrica y angustiosa.

21 – Chelovek s kino-apparatom (El hombre de la cámara), 1929, Dziga Vertov.

Más que una película con una temática lógica, se trata de una película técnica. El director muestra ya en 1929 cómo el juego con el montaje es la clave para el hombre de la cámara. Es una película documental experimental que a grandes rasgos puede tratar de un día cotidiano en Rusia mientras el director juega con las perspectivas y las técnicas.

 

 

 

 

 

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